Hablando del incipiente alcoholismo al que parece abocada la cantante Norah Jones en “My blueberry nights”, me he acordado de que el otro día, cuando puse aquel vídeo sobre la grabación de “Toreador” por parte de Christopher Lee, encontré otras incursiones musicales protagonizadas por este mito viviente con anterioridad y que, de verdad, no tienen desperdicio.

La primera, y la más bizarra de todas, es una escena perteneciente a la comedia musical de ciencia-ficción de 1983 “The return of Captain Invincible”, donde Lee canta un tema que loa las maravillas de diferentes cócteles y brebajes, no sé si achispado, pero sí con mucha chispa. Con decirles que su sofisticado estribillo no para de repetir de manera insidiosa “Drink, drink, drink!”. El resto de la letra podéis encontrarla aquí. No recuerdo haber visto la cinta, pero, según parece, en ella Lee interpreta a un villano galáctico que intenta hacer recaer en la bebida a un superhéroe alcohólico. Ni que decir tiene, mucho más chic e ingenioso que otros populares hits pro-bebercio, como el “Litros de alcohol corren por mis venas, mujer” de Ramoncín o “Mi agüita amarilla” de Los Toreros Muertos, dónde va a parar.

Ver escena de la apología del bebercio

La afición del ex Conde Drácula por el mundo de la canción no es un misterio, y es que ese vozarrón que me tiene, todo un torrente de cavernosa sensualidad, le da para algo más que para unos gorgoritos en la ducha. De hecho, ha colaborado con varios grupos punk y heavy, y en los 80 también se atrevió incluso con el pop. Si el binomio pop+80 ya es para echarse a temblar, espérense a ver el siguiente videoclip, en el que le da la réplica a una de esas cantantes clones de baratillo de Cyndi Lauper y Madonna, que tanto proliferaban por aquel entonces, y que debió de agotar las existencias de bigudíes de todas las peluquerías de su barrio antes de salir a escena. La pretenciosa y casposa escenografía, digna de un decadente plató de Televisión Española (valga la redundancia), intenta rememorar el pasado de Lee en el cine de terror, no tanto por la iconografía tan de “quiero y no puedo” desplegada en el escenario, como por el miedo que da presenciar semejante espectáculo. Más que amenazar con clavarle los colmillos a la moza o, en su defecto, al colchón Lo Monaco que los separa, parece que Lee vaya a sacar una paloma de la chistera en cualquier momento.

Ver videoclip de “Little witch”

Y para acabar, les dejo con su contribución al tema “The magic of the wizard’s dream” de la banda metal Rhapsody. Aquí ya en categoría de tenor, acompañado con su orquesta, sus coros, su flautista de Hamelin, sus roqueros con rebeldes melenas cuidadosamente acicaladas por el estilista y, en fin, todo el amoñamiento general en la estética tan propio de estas lides. Pero hay que ver cómo afina la diva Cristofina.

Ver videoclip con Rhapsody

Carteles a lo “Grindhouse”: Nueva iniciativa de la gente de Something Awful para rendir homenaje al universo gráfico relacionado con un gran estreno, en un línea similar a lo que ya hicieron tiempo atrás con “Sin City”. En esta ocasión se trataba de que los participantes crearan pósters tipo “Grindhouse”, o lo que es lo mismo, reproduciendo el estilo guarrón, macarra y sensacionalista del cine exploitation, a partir de conocidas películas de todos los tiempos. Merece la pena inspeccionar por las once páginas que conforman la galería. Hay carteles muy divertidos y conseguidos. [ Enviado por 1977 ]

Fotos inéditas del rodaje de “Star Wars” que ha publicado la revista Wired coincidiendo con el 30º aniversario de su estreno. Dado que el otro día hablábamos sobre Darth Vader a propósito de aquel contundente aviso dirigido a apagar el móvil en las salas de cine, servidora no ha podido resistirse a rescatar esta pintoresca estampa. Y es que una no descubre todos los días que su mito erótico desde la más tierna infancia (sí, han leído bien… y lo que no saben todavía) también acusaba serios problemas de caspa, amenazando con cubrir de blanco sus impolutos hombros negros como si de la cumbre nevada del Kilimanjaro se tratara. Veinte imágenes más, tomadas en el set o que formaban parte de la promoción, haciendo clic en el anterior enlace.

Sin City Breakfast Tacos y Puerco Pibil: Hablando del Rey de Texas… Según parece, el batacazo económico que ha sufrido su proyecto conjunto con Quentin Tarantino, ha provocado que Robert Rodríguez llegara incluso a replantearse su futuro profesional, y decidiera reconducir su experiencia en el despiece de órganos y su buena mano con los aderezos picantes hacia nuevos derroteros artísticos. Así pues, no es de extrañar que “El mariachi” se haya pasado a dar lecciones de cocina, intentando abrirse su propio hueco entre tanto chef mediático como nos inunda. En los dos anteriores vídeos podréis seguir sus explosivas recetas no aptas para marías. [ Vía Bad Blog Boogie ]

Christopher Lee canta “Toreador”: Poseedor de una de las voces más imponentes y atractivas del panorama (aprendan pipiolos desnutridos y balbuceantes que pueblan el actual star system), este legendario actor recuperado recientemente por el cine, y al que mencionaba ayer mismo, no se ha amilanado ante la posibilidad de grabar una versión metal de la popular marcha perteneciente a la ópera “Carmen” junto al grupo The Inner Terrestrials. ¡Tú sí que estás hecho un torero, Lee! Y con jersey rojo, como Gila, haciendo las veces de capote. [ Enviado por Crunch ]

En determinadas ocasiones una llega a preguntarse si ciertos números musicales procedentes del cine español de antaño, más que responder a un atracón de setas con poderes alucinógenos, no formarían parte de algún magistral plan secreto del Régimen para pasar mensajes codificados de vital importancia estratégica a sus aliados internacionales, tal es el nivel de bizarrismo cursilero que alcanzan sus letras y sus coreografías, imposibles de entender en un plano más profano. Y si no, vean a qué me refiero mientras toman nota de las claves aquí ocultas bajo tan inocente apariencia:

Ver número del “Ki ki ki, cua cua cua”

La escena, como ya sabrán muchos de ustedes, pertenece a la película “Sor Ye-ye”, uno de los grandes éxitos de la comedia musical patria de los 60 (y del cine religioso, versículo monjas, puestos a decir) que dirigió Ramón Fernández, responsable de la serie “Cuéntame”, a partir de un guión del inefable Vicente Escrivá, lanzando a la fama a la actriz mexicana Hilda Aguirre, que compartía cartel con el galán venezolano Enrique Guzmán, y que contaba con la presencia del grupo Los Yakis Voladores (¡IMPERDIBLE CANCIÓN!). Huelga decir que aquella historia sobre una joven huérfana, vocalista de un grupo yeyé, que lo abandonaba todo, novio incluido, para abrazar los hábitos, y que revolucionaría el convento con su jovial proceder, llegando a participar en el Festival de San Remo, aparte de intentar cumplir como entretenimiento familiar, tenía la finalidad de ofrecer una imagen más amable y moderna del gremio de monjas, avivando, de paso, posibles vocaciones religiosas entre las púberes espectadoras. Claro que, visto lo visto, no sé yo…

La cuestión es que el personaje de aquella monja cantarina no tardó en ser absorbido como icono kitsch por la cultura popular, y hoy en día no hay convento, escuela católica o congregación que no disponga de su propia hermana apodada Sor Yeyé, normalmente debido a su carácter locuelo. Ese mismo año la acompañaría “Sor Citroen”, otra monja marchosa, y esta vez además motorizada, que se sumaba a la labor de reflejar en el cine los aires aperturistas del entonces nuevo Concilio, también conocido como el de las misas con guitarras.

Por cierto, según parece, Hilda Aguirre protagonizó un asunto a lo Milli Vanilli cuando se supo que la encargada de poner voz a los temas de la película no era ella misma, sino que había sido imbuida por el espíritu (y no precisamente santo, sino mucho más terreno) de su compatriota Estela Núñez.

Hacía tiempo que no recuperaba alguna de las perlas musicales que nos ha dejado en herencia la comedia patria durante su época de mayor esplendor segregacionista, o sea, durante la época en que segregaba más caspa. Así que hoy retomo nuestra particular colección Cine de Barrio a lo grande con uno de sus títulos más emblemáticos de los 70, y que ya constituía toda una perturbadora declaración de principios en sí mismo: “La tonta del bote”. Es leerlo y, automáticamente, uno se imagina sepultado por incontenibles toneladas de glamour. Por si fuera poco, esta especie de revisión del cuento de la Cenicienta pasado por el filtro populachero y cazurro contaba nada menos que con dos auténticos adalides del género encabezando su cartel: Lina Morgan, en la que fue su confirmación como vedette de cautivadoras maneras ortopédicas, y el eterno galán trasnochado Arturo Fernández. Ahí es nada, chatina.

En el número que nos ocupa, una joven y pizpireta Lina Morgan, ataviada con dos trenzas tiesas como alambres y un picarón uniforme de criada que en su caso fulmina cualquier posible atisbo de lujuria, interpreta la canción que da nombre a la película en medio de un espectacular decorado de sartenes, manojos de puerros, pollos de goma, cocineros asiáticos y puros gigantes. Vamos, lo típico que se encuentra en cualquier cocina. Impresionante coreografía, que saca el máximo provecho de semejante despliegue de recursos humanos y técnicos; entrañable la letra que desgrana las miserias cotidianas de Susana La Recogecolillas y su amor por el chulapo Felipe El Hermoso; y, sobre todo, impagable el momento en el que la Morgan protagoniza su particular versión cañí de la starlett surgiendo del interior de un pastel… sustituido aquí por un flamante bote de pimientos morrones, que ríete tú de los amagos surrealistas de Dalí y Buñuel y del pop-cañí de Almodóvar. Tronchante.

Ver número musical de “La tonta del bote”

Aunque el cine Bollywood es un fenómeno relativamente reciente fuera de sus fronteras, lo cierto es que la poderosa industria hindú lleva ya unas cuantas décadas produciendo este tipo de melodramas musicales para deleite de su entregado público local. Además, lejos de lo que se pudiera pensar, los personajes femeninos que los protagonizan no siempre se han ajustado de forma necesaria al perfil conservador, pasivo y recatado, por no decir mojigato, que muchas películas, incluso las más actuales, nos tienen acostumbrados. Es el caso, por ejemplo, de la actriz y bailarina de origen anglo-birmano Helen Richardson Khan, conocida precisamente por encarnar a mujeres de oscuro pasado y aún más turbio presente (vampiresas y zorras, aclaran de forma más explícita diversas fuentes) en largometrajes Bollywood de los 60 y los 70, donde interpretaba sensuales y glamourosas coreografías de corte cabaretero, dejando, de paso, a la vista algunos centímetros de piel más que sus colegas habituales.

En 1958, Helen, considerada una especie de Marilyn Monroe atormentada, experimentó un enorme éxito gracias al tema “Mera Naam Chin Chin Chu”, compuesto por O.P. Nayyar y cantado por Greeta Dutt para el thriller “Howra Bridge”. La verdad es que, viéndolo desde la perspectiva actual, cuesta un poco imaginar que este número musical, tan festivo y dinámico como inocente en el fondo, lograra despertar encendidas pasiones entre los espectadores indios. Claro que nos faltaría saber qué significados ocultos esconde la letra de esta canción, cuyo ridículo (al menos para nosotros) título nos remite más bien al dulce burbujeo del champán en el momento del brindis. En cualquier caso, lo que no se puede negar es que resulta la mar de divertido.

Ver “Chin Chin Chu” interpretado por Helen

Hablando de música de los 80… La última videocreación dentro del subgénero Parodias de “El Señor de los Anillos” nos llega de la mano de El Reno Renardo y se atreve a rizar el rizo con el más bizarro todavía. Atención a la explosiva mezcla: Cójase la letra del popular tema de Gabinete Caligari “Camino Soria”, adáptese al universo de la saga dirigida por Peter Jackson, mézclese con grandes dosis de sutil humor chusco-tabernario, échese en falta un trabajo de rima más elaborado… y el resultado es… pirueta… genuflexión… tachán tachán… “Camino Moria”.

Estoy segura de que no se podrán resistir ante versos del calibre de “Se me ha puesto inhiesta cuando he visto a Galadriel bebiendo el hidromiel”, “El gordo de Sam me da más miedo que un nazgul, quiere petarme el bul y me sigue incluso cuando voy a hacer popó detrás de un abedul” o “Voy camino Moria… me quiero desfogar. Me han dicho que en la Gran Vía se encuentra un lupanar. Te dejan bien limpio el sable y te dan de papear”, todo ello cantado imitando la inconfundible voz engolada de Jaime Urrutia.

Como probablemente ya sabréis, Hugh Grant acaba de estrenar en medio mundo (y a punto está de hacerlo en la otra mitad) un nuevo largometraje. Se trata de “Music and lyrics”, una (atención: novedad) comedia romántica de (¡vaya! ¡no puede ser!) Marc Lawrence que gira alrededor de (¡quién lo hubiera dicho!) el mundo de la música. En España (continuamos desvelando aspectos nunca imaginados) han decidido rebautizarla con el título sonrojantemente cursi de “Tú la letra, yo la música”, y en ella el popular actor inglés comparte protagonismo con (mira que no ganamos para sorpresas, ¿eh?) la inefable Drew Barrymore. En fin… Ante semajante aluvión de originalidad, quizás lo más llamativo de esta cinta, cuyo tráiler podéis ver aquí mismo, sea, por un lado, que revisa la música de los 80 desde un cierto tono paródico y, por otro, que el propio Grant se ha encargado de interpretar algunas de las canciones de su banda sonora, poniéndose así completamente en la piel de la estrella del pop en decadencia que interpreta en la ficción…

Pues bien, como parte de la promoción de la película, sus responsables han lanzado uno de los “falsos” videoclips que tienen a Hugh Grant como protagonista y que, presuntamente, se incluyen en la trama del film. El vídeo musical en cuestión, de marcada estética horterochentera, pertenece al tema principal y en él aparece un desacomplejado Hugh Grant (¡Ja! Como si alguna vez hubiera tenido complejos…) luciendo unas pintas y unos ademanes revival alucinantes. Les juro por mi extinta colección de hombreras (¡que el vertedero las acoja en su seno y que no las traiga nunca más de vuelta a las pasarelas!) que ver a Grant convertido en una parodia de míticas bandas de la época tipo Duran Duran, Wham!, Spandau Ballet y compañía no tiene el más mínimo desperdicio. Ay, locuelo, locuelo…

Ahora que Tito Marty se ha vuelto a convertir en uno de los hombres del momento debido a los Oscars compensatorios que recibió por “Infiltrados” (a buenas horas, mangas verdes), aprovecho para recuperar uno de los anuncios que protagonizó para promocionar la tarjeta American Express, entonces patrocinadora del Festival de Cine de Tribeca. En este divertido spot, que tiene como escenario una tienda de revelado de fotos en una hora, Scorsese no sólo saca a relucir su vena más perfeccionista como director ante la atónita mirada del empleado, sino también una nada desdeñable vis cómica como actor. Recordemos que no es ésta ni la primera ni la segunda vez que esta compañía echa mano de algún director famoso para sus campañas.

Ver anuncio de Martin Scorsese para American Express

No fuimos pocos los que nos alegramos de que el responsable de obras maestras como “Taxi driver”, “Malas calles”, “Toro salvaje” o “Uno de los nuestros” viera finalmente reconocida su carrera por parte de la Academia de Hollywood, aunque esta especie de acto de justicia llegara a deshora y no precisamente por una de sus mejores películas. Sin embargo, estoy segura de que nadie lo habrá celebrado tanto como el vocalista y líder del grupo King Missile, quien hace un tiempo le dedicaba esta canción-homenaje en la que le da las gracias por su cine con, por decirlo amablemente, tal exceso de entusiasmo que haría suya aquella máxima de “Con fans como éstos, ¿quién necesita enemigos?”. Hay que ver qué alelao.

Todo el mundo en mi familia está en el negocio del cine. Yo sabía que quería ser creativa y que era muy importante en mi familia ser artística.

Rosario Flores, digo, Sofía Coppola (En la imagen superior demostrando su creativa y artística forma de contribuir al negocio familiar arruinando “El Padrino 3″)

Ya había hablado del arrollador mundo interior de esta autora, que de tan inconmensurable como es no da ni para un segundo post. Sin embargo, mucho antes de que Mari Sofi se pusiera detrás de las cámaras, nuestra chiripitifláutica de oro decidió que también tenía mucho arte que ejecutar (en el sentido de asesinar, por si hacía falta aclararlo) delante de ellas, por los costados y por allá donde se dejaran. Normalmente a esto se le llamaría tocar todos los palos, pero en su caso se quedaría más bien en tocar los huevos con todo y no dar palo al agua.

Sería tan fácil (demasiado) despellejar su faceta como actriz (no por más desconocida, menos mítica) a golpe de diccionario, que yo me limitaré a informarles simple y llanamente de que es posible arrancar más carisma, expresividad y convicción de una muñeca de trapo que de Mari Sofi. Supongo que a eso se referirán sus fans cuando alaban su etérea presencia, porque, como rezaba aquel conocido lema de una marca de compresas, ciertamente no se nota, no se mueve y no traspasa. Cómo será la cosa de insidiosa que su padre, viendo su incansable cansino empeño y tras asistir a su bochornosa interpretación en “El Padrino 3″, le dijo: “Mira, nenita, ¿sabes qué? Te voy a financiar una carrera como directora. Todo sea para tenerte entretenida y que no te dé por volver a asomar tu narizota por la pantalla”. Bueno, lo mismo pero inglés. Y así nació la Mari Sofi directora, como una digna y tenaz consecuencia de ser el menor de los males.

Así que, tal y como os había anunciado días atrás, os he preparado un antológico repaso por las distintas intervenciones de la Mari Sofi actriz en videoclips, peliculillas de tres al cuarto y anuncios, para que dejen de meterse tanto con sus largometrajes, y empiecen a dar las gracias porque los hace y no se dedica a otra cosa. Por cierto, échenle la culpa a Plissken, que prendió la mecha al pasarme el enlace del primero de los vídeos, y a partir de ahí yo me abastecí de más dinamita en YouTube. [ continuar leyendo… ]

El arrollador éxito internacional que acompañó a Maria Jesús y a su inseparable acordeón propició que la industria de Bollywood, siempre abierta a las influencias más rompedoras del momento, realizara un biopic sobre esta artista del viento y de la tecla. María Jesús, rebautizada para la ocasión como Mahri Krishna, estaba interpretada por una lozana morenaza a la que acompañaban dos galanes de primera vestidos de punta en blanco, que vendrían a ser la versión hindú de Máximo Valverde y José Luis López Vázquez. Lo sé, el concepto que sobrevuela ahora mismo vuestras mentes es glamour. Atención al momentazo picarón en el que la incomparable maestra del fuelleteo se acerca alternativamente a sus dos pretendientes, y va alargando y encogiendo el tamaño del instrumento que tiene entre las manos según proceda. Desde “Los pajaritos”, su gran hit homenaje al clásico de Hitchcock, que no se había visto un subtexto erótico-festivo tan ocurrente. Hay que ver cómo son, oig.

Ver momento-duelo “El tamaño sí importa”

Las referencias al folclore de la botavino y la pandereta no se acaban aquí. Y es que la película incluye un Momento Botellón a la salida de los San Fermines, con asalto a los tenderetes hippies incluido, no menos antológico. Su protagonista es uno de los galanes despechados, que consigue imprimir un aire de clásica naturalidad al trasnochado cliché del borracho agarrado a la farola. Sólo le faltaría soltar un “hip… ¿tienes compañía o… hip… es que veo doble?” para acabar de resultar del todo convincente.

Ver momento “Borracho trasnochado en las fiestas del pueblo”

Estoy teniendo ciertos problemas con la velocidad de la conexión, que, al parecer, ahora mismo me va a pedales. Mientras no puedo preparar en unas mínimas condiciones el tema de los tráilers de los estrenos, os dejo otra cosa que tenía medio ya hecha por ahí y que, de paso, me pone bastante más que pasar el habitual rosario con las novedades de la cartelera.

“Foutaises” (”Insignificancias”) fue uno de los primeros cortometrajes que dirigió en solitario el francés Jean-Pierre Jeunet antes de ponerse de largo junto con su colega Marc Caro en la genial “Delicatessen”, colaboración que tendría continuación en la más floja “La ciudad de los niños perdidos”. Como sabéis, una de las señas de identidad del responsable de “Amelie” y “Largo domingo de noviazgo” (película que, según parece, sólo me gustó a mí), aparte de su característico estilo visual y narrativo, es que suele describir a sus personajes en base a sus filias y fobias. Pues esos dos ingredientes, precisamente, son los que os encontraréis en este corto seminal, rodado en blanco y negro con un guión en el que también participó Bruno Delbonnel, uno de sus habituales directores de fotografía, y protagonizado por su actor fetiche Dominique Pinon. No os lo perdáis si todavía no habéis tenido ocasión de disfrutarlo. Además de divertido, es digno de ver por la imaginería que maneja.

Ver “Foutaises” en DailyMotion

Por cierto, descubrí que “Foutaises” rondaba por ahí gracias a un post de Cinemaparadiso, pero he localizado una versión con subtítulos en español para que todo el mundo lo entienda sin problemas y que le debemos a PezHammer.

De paso, escarbando por estos tubos del señor, he encontrado otro de los primeros trabajos que realizaron Jeunet y Caro fuera del cine. Se trata del curioso videoclip ochentero para el tema “Zoolok” de Jean-Michel Jarre. Jean-Michel Jarre me da mucha rabia, pero el vídeo mola porque salen unos robotejos muy cucos ellos.

No se vayan a creer que el Bollywood es un género limitado a un único esquema, no, que ellos son gente de mentalidad muy abierta, y por eso también se encargan de destrozar los estereotipos culturales ajenos y hasta se atreven a fusionarse con otros géneros musicales procedentes de allende los mares, del mismo modo en que se fusiona un parásito con su huésped. Y de muestra una perla de este mestizaje, hecha con un rigor y una atención al detalle dignos de gag de Los Morancos como mínimo.

Momento de (con)fusión intercultural en “Naseeb”: ¿Saben los Village People, ese grupo que actúa disfrazado de distintas profesiones (si es que ser indio nativo americano y gay de polipiel negra es alguna profesión)? Pues esto vendría a ser lo mismo pero por parejas heteros y vestidos con “trajes regionales”. Por supuesto, entre las delegaciones de danzas folclóricas no podía faltar el dúo compuesto por una flamenca y un torero; después tendríamos al cosaco y a la zíngara, ya bastante más cogido por los pelos; y en último lugar estaría la representación de Estados Unidos, que, también extraída de sus raíces históricas más profundas, está encarnada por un trasunto de Charlot y una especie de réplica de Audrey Hepburn en “My fair lady”. Y, hala, todos juntos a bailar pachanga. La coreografía es tan sofisticada como acostumbra y, además, esta vez hasta incluye efectos de cámara rápida y a Charlot ejecutando unas virguerías con las piernas que harían poner verde de envidia a Lina Morgan. Por cierto, fijaos en uno de los tipos de pelo y bigote blancos que los observa entre el público, porque es clavadito a Antonio Ozores.

De propina, el Country-Bollywood: Si hasta Chiquito tuvo su propia película del Oeste, los hindúes no iban a ser menos. Western musical al más puro estilo Bollywood. Aquí viene cuando podría hacer un chiste sobre indios pieles rojas e indios de la India, pero sería muy lamentable hasta viniendo de mí.

Koldo Serra es un tipo que, cuando no está perdiendo el tiempo miserablemente en este blog, lo cual ya de entrada no dice mucho a su favor, se dedica a hacer peliculillas en sus ratos libres. Suyo es el multipremiado cortometraje “El tren de la bruja”, en cuyo guión colaboró su habitual compañero de fechorías Nacho Vigalondo, otro al que también déjalo correr, y el 16 de febrero estrena su debut en el largometraje “Bosque de sombras” (”The backwoods”), según la IMDB un thriller dramático de terror, según él “no es de terror”, según yo “tú sí que das miedo”. Se trata de una coproducción internacional rodada en inglés que protagonizan Gary “Morboman” Oldman, la cárnica Aitana Sánchez-Gijón, la monina de Virginie Ledoyen y Paddy Considine así a secas. Cómo consiguió enredarlos en el proyecto también escapa a toda comprensión.

Descubrí que Koldo visitaba La Ventana Indiscreta vilmente escondido en el anonimato de un pseudómino por una de esas cadenas de casualidades de lo más tontas (estando yo por medio, no esperarían algo más sofisticado, ¿verdad?) en la que estaba implicado un cadáver que él tuvo la gentileza de devolver a la vida. Y de paso descubrí que es uno de esos pocos directorcillos noveles que no están constantemente golpeándose el pecho cual gorila en permanente estado de ego-celo por tener ficha en la IMDB, página en la Wikipedia y fotolog (esto último, sobre todo, el colmo de la vanidad para presumir delante de tus amistades entre Ferrero Rocher y Ferrero Rocher). Vamos, que me cayó automáticamente bien, y eso que todavía no se ha dignado a contarme anécdotas de Gary Oldman en el rodaje, pese a haberle insistido repetidas veces en el tema. Además, tiene un no sé qué como achuchable (realmente no lo tiene, pero me encanta avergonzar a la gente).

Una, que es así de impresentable, bueno, eso y que el tiempo no me da para más, todavía no había encontrado el momento de hablar aquí ni del tráiler de su película, ni de su corto, ni de sus trabajos fuera del cine. Para que luego me digan que en esta página se sale por enchufe. Así que hoy por fin me he decidido a ponerle remedio, que ya iba siendo hora. Empezamos por su ópera prima. [ continuar leyendo… ]

Paso 1:

Sofia Coppola es la única directora que habla sobre la mujer y sobre su mundo interior.

Kirsten Dunst dixit durante una entrevista-promoción de “María Antonieta” (en la imagen superior con cara de estar desbordada por su efervescente mundo interior)

A ver, monina, sin insultar. Que no todas tenemos la profundidad mental de un anuncio de compresas. De todas formas, lo de soltar disparates a modo de desmesurado halago durante la promoción de una película es una tradición profundamente arraigada entre el star system. Todavía recuerdo con estupor cuando Scarlett Johansson soltó por esa boquita suya que John Travolta era el mejor actor dramático del mundo, durante la presentación de “Una canción del pasado”. Y Scarlett también trabajó con Sofia Coppola. Me da que esto está empezando a dejar de ser una simple casualidad. Ya se sabe, Dios las cría…

Paso 2: En realidad, es mentira que la obra de Mari Sofi sólo sea un escaparate visual que intenta esconder su inmenso vacío argumental y dramático. Más que nada porque si algo es también es un escaparate musical. Y aquí vengo yo rauda y veloz a defender lo contrario con un testimonio, desempolvado del pasado, que habla de su inmensa capacidad para contar historias sin recrearse única y exclusivamente en el plano estético.

Videoclip para White Stripes con Kate Moss

No me negarán que nadie habría podido decir más en menos tiempo. Toma retrato del mundo interior de Kate Moss.

Paso 3: Antes de dar el salto al largo con “Las vírgenes suicidas”, La Hijísima rodó “Lick the star”, un cortometraje en blanco y negro en el que “sorprendentemente” abordaba el mundo de la adolescencia y todos los temas de soledad, vacío, incomunicación, aceptación social, popularidad, blablablá, asociados al trasnochado mito. Podéis verlo en DailyMotion. Suerte que Sofia es una mujer con un rico mundo interior y un abanico todavía más amplio de inquietudes, y en sus siguientes películas ha tratado otros temas de lo más variado y desde perspectivas siempre la mar de novedosas.

Paso 4: ¿Por qué 3 de cada 4 personas a las que les ha encantado una película de Sofia Coppola, y defienden con uñas y dientes que es la mejor directora de su generación, siempre te dicen algo así como “Qué chachipiruli. Adoro su banda sonora“? ¿Por qué nunca mencionan el guión, la dirección, las interpretaciones… o siquiera caen en ese recurso fácil de “lo bonita que era la fotografía”? Y no me repliquen, que llevo años recabando datos para esta estadística y no exagero. Claro que siempre es mejor eso que no que te suelten lo otro tan típico de “el cine de Sofia Coppola no se analiza: essss… es un estado de ánimo” y se queden tan anchos. Que entonces ya es cuando a una servidora le entran retortijones de barriga con tanta trascendentalidad de baratillo. Eso sí, al menos hay que reconocer que la mujer está ayudando a vender muchos discos.

Antes incluso de convertirse en la transexual más famosa del panorama patrio (siempre, claro está, con el permiso de La Veneno) de la mano de Pedro Almodóvar, quien le daría su primera oportunidad en “Amantes de lo prohibido”. Mucho antes de compartir pantalla con Hugh Grant en una esperpéntica escena de la película “Remando al viento”. Antes también de acabar irremisiblemente ensasillada como madurita musa del cine petarda. Y muchísimo, muchísimo antes todavía de cambiarse el nombre por el de Bibiana Fernández e iniciar su etapa más aburguesada como colaboradora habitual en diversos programas de televisión.

Corría el año 1977 cuando Bibí Andersen (o, por aquel entonces, Bibí a secas) era descubierta para el cine por Vicente Aranda con la muy oportuna “Cambio de sexo”. Tras aquella primera experiencia como actriz, y mientras no le llegaba su segundo papel en “La noche más hermosa” de Manuel Gutiérrez Aragón, la farandulera natural de Marruecos y, según cuenta la leyenda, Premio al Mejor Soldador del Año (el 69, más en concreto) cuando todavía respondía al nombre de Manuel, probó suerte en el terreno de la canción, donde conoció algún que otro éxito internacional.

A continuación dos de las primeras apariciones de una jovencísima y estirada (tanto por lo alto como por lo hierático de su porte) Bibí Andersen en televisión. Porque ella lo vale, pero, sobre todo, por los viejos tiempos en que compartió apodo etílico conmigo.

Bibí Andersen interpretando el tema “Call me Lady Champagne”

“La Sirena” Bibí Andersen en TVE junto a Alfredo Amestoy